9 найвідоміших творів мистецтва у стилі мінімалізму, що визначили жанр

Жанр мінімалізму розкривається у різних формах мистецтва: живопису, музиці та літературі. Він зародився в 60-х роках XX століття і вийшов на світ як реакція у відповідь на абстрактний експресіонізм. Мінімалісти намагалися відійти від виразних рис абстрактного експресіонізму, тому що вважали ці роботи надто пихатими, що применшують сутність самого мистецтва. Художники мінімалістського жанру навпаки намагалися створювати картину із простих ліній та фігур. Мінімалізму властива інтерпретація робіт очима дивиться. Спеціально для цього творів мистецтва видаляються всі складні предмети, засоби самовираження, уривки біографії та соціальні програми. Глядач повинен побачити картину такою, якою вона є насправді: повна незайманої краси та чесності.

У зв'язку з сильним акцентуванням базових елементів, жанр мінімалізму був відомий як мистецтво ABC. Більшість найвидатніших мінімалістів були скульпторами, але мінімалізм був також поширений і в Ленд-арті, відгалуженні жанру, спрямованому на створення мистецтва у вигляді пейзажу, по суті, галузь ландшафтного дизайну.

Мінімалізм сконцентрований ще й на русі світла та простору, але багато художників даного жанру намагаються зобразити у своїх роботах порожнечу.

Існували думки, що мінімалізм бере свій початок в Азії. На творчість багатьох західних художників, прикладом чого служить Агнес Мартін, дзен-буддизм дуже впливав. Величезна маса митців-мінімалістів перебувала під впливом поняття «порожнечі», запозиченого в індуїтських священних писаннях. Моно-ха було одним із найбільших мінімалістських рухів Азії. Воно було першим міжнародно визнаним рухом сучасного мистецтва Японії. Моно-ха, що називається також як «Школа речей», зародилося в середині 60-х років XX століття, а потім стало новаторським художнім рухом. Очолювали цю групу Лі Уфан та Нобуо Секіне. Це було єдине об'єднання, яке позиціонувало свою діяльність як заняття «не творчістю». Такі групи відкидали традиційні ідеї репрезентації. Їхнім бажанням було розкриття світу шляхом взаємодії з матеріалами та їх властивостями, подібно до Західної течії мінімалізму.

Пропонуємо до перегляду найвідоміші роботи мінімалістського мистецтва, що наголошують на приналежності до даного жанру. Вам також будуть представлені картини та скульптури, що руйнують традиційні уявлення про мистецтво загалом, оскільки стерли різницю між ними.

Франк Стелла «Прапора вгору!» (1995)

Франк Стелла, будучи художником, скульптором і гравером, вважається одним із найвпливовіших американських художників, які нині живуть. Його картини, повні смуг, і навіть грандіозні гравюри зробили революцію у світі мінімалізму, а й у абстракції. Автор зазначає, що найбільше впливом геть його творчість було зроблено художниками-абстракціоністами Поллоком і Кляйном. Але волею долі Франк Стелла став одним із батьків-засновників мінімалізму.

«Прапора вгору!» названа на честь маршової пісні нацистів, але все, крім назви картини, ніби не несе жодного сенсу. Ця робота входить великий цикл чорних творів Стелли. Світлі лінії, чітко видні на картині – лише необроблене полотно, залишене серед широких чорних смуг. Ця монохромна робота є однією з найвідоміших картин, що кинули виклик руху абстракціонізму.

Роберт Морріс, "Без Назви" (дзеркальні куби) (1965/71)

«Без назви (дзеркальні куби)» Роберта Морріса розкривають його як як творця мінімалістського жанру, а й як концептуального. Автор натрапив на великі сірі коробки, зроблені з фанери і використовувані як декорації, ще виступаючи в балетній трупі. У своїй роботі він покрив ці коробки дзеркалами, цим змінюючи способи сприйняття, додаючи простим сірим кубам нові візуальні властивості. Композиція спрямована на безпосередню взаємодію глядача з об'єктом: прогулюючись між дзеркальними кубами, глядачі мимоволі стикаються із собою і залишаються ніби одні зі своїми думками, але наодинці з усіма. Акт захоплення твором мистецтва раптово переривається актом пошуку. Саме на цьому ґрунті відбувається «вторгнення» у простір галереї. Людина починає відчувати присутність мистецтва поза видимого.

Агнес Мартін, «Спиною до світу» (1997)

Агнес Мартін писала картини, які жодним чином не зображали предмети, проте їхні назви наголошували на сильній чарівності природи. Роботи Мартін дізнавалися по сітці, що поєднує мінімалізм і колірну гаму. Сітка використовувалася як організація простору полотна. Вона допомагала створювати нескінченну різноманітність заспокійливих робіт у ніжних колірних рішеннях.

Перебуваючи під сильним впливом дзен-буддизму і даосизму, Мартін більшу частину свого життя поводилася дуже відокремлено від світу, навіть проживаючи в Нью-Мексико. У 40 років у неї було діагностовано шизофренію. «Спиною до світу» була написана на її 9-му десятку життя. На той час вона була в будинку для людей похилого віку. Смуги синього, персикового та жовтого кольору все ще продовжували підкреслювати винятковість мистецтва у світі, повному корупції, тому вона зменшила розмір своїх полотен для наявності меншої кількості труднощів із ними.

Ельсуорт Келлі, "Червоний, жовтий, синій II" (1953)

Служба під час Другої світової війни мала явний вплив на Ельсуорта Келлі. Певною мірою вона була використана як спостереження за природою та архітектурою, а потім була застосована на практиці. Ретельне вивчення абстракції автором та її застосування у своїх роботах розвивало мінімалізм. Серія картин «Червоний, жовтий, синій» вплинула на спосіб фарбування. Вона була створена як тільки Келлі виявив нескінченні можливості монохромного колірного спектру, порядку випадковостей та багатопанельної композиції.

"Червоний, жовтий, синій II" складається з семи панелей. Центральна чорна панель є одночасно як розділювальною, так і сполучною по три панелі з кожного боку. Сині панелі на кінцях підкреслюють композицію, побудовану Келлі. Саме ця робота вважається однією з його кращих робіт, а також найбільшою роботою за час перебування в Парижі.

Сол Левітт, «Розписані стіни»

Сол Левітт розписав 1350 стін за 40 років своєї кар'єри, 3500 з яких – інсталяції, нанесені на 1200 майданчиків. Малюнки були різними: від прямих смуг, нанесених чорним грифелем, до різнокольорових хвилястих ліній, одноколірних геометричних фігур і яскравих просторів, намальованих акрилом. Автор відкидав традиційну важливість своєї руки творця, дозволяючи допомагати іншим у створенні свого витвору мистецтва. Його настінні малюнки приймали форми, які вони займають просторів, тому піддавалися вивченню у сфері архітектури та мистецтва.

Левітт помер ще у 2007 році, але його роботи продовжують жити, адже у них вкладено дух художника. Нині є кілька художників, які відмовляють у відтворенні його настінних малюнків, цим дозволяючи їм прикрашати стіни у світі.

Джуді Чикаго, «Райдужний пікет» (1965)

Райдужний пікет є інсталяцією розміром із кімнату. Вона складається з шести трапецій, різних за кольором та довжиною. Крім першої персональної виставки в галереї Рольфа Нельсона в Лос-Анджелесі (січень 1966), ця робота була показана і на фундаментальній виставці «Основні структури» в Єврейському музеї.Клемент Грінберг, відомий Критик, висловився про цю роботу як про краще у цій галузі. У 2004 відбулася реконструкція «Райдужного пікету», а пізніше об'єкт став візитною карткою LAMOCA «Мінімалістичне майбутнє? Мистецтво як об'єкт (1958–1968)».

При створенні подібних робіт, що перевіряють можливості кольору за допомогою її саморобних просторових візерунків та схем, Джуді Чикаго здобула популярність як новатор у жанрі мінімалізму.

Ден Флейвін, «Без Назви (на честь Гарольда Йохіма) 3» (1977)

"Без Назви (на честь Гарольда Йохіма) 3" одна з багатьох робіт, виконаних Деном Флейвіном. Вона складається із світлодіодних ламп та металевих фіксаторів. Автор вивчав можливості флуоресцентного світла протягом трьох десятиліть, виконуючи свої роботи лише комерційно доступними матеріалами. Зрікшись понять абстрактного експресіонізму, Флейвін почав застосовувати таке обладнання, а потім впровадив його у світ високого мистецтва. На перший погляд, робота здається максимально простою, але, придивившись, ти побачиш глибоку вишуканість роботи.

Роботам Флейвіна властиво виходити за рамки простору, в якому вони розташовані, завдяки грі світла та різноманітності колірної палітри. Об'єкти дозволяють глядачеві купатися у теплих променях світлодіодів, створюючи певну атмосферу.

Єва Гессе, «Безім'яна робота (Куски Мотузок)» (1970)

Єва Гессе народилася у Німеччині. Зараз ми знаємо її як американського скульптора-новатора у роботі з латексом, скловолокном та пластиком. Вона започаткувала розвиток пост-мінімалізму в 60-х роках XX століття. Автор досліджувала властивості найпростіших матеріалів для використання їх в ілюстраціях значно більшого.

«Безім'яна робота (Куски Веревок)» була створена в 1970 році, коли Гессе вже стояла на порозі смерті, а закінчено за допомогою її товаришів. Експозиція створена з латексу, натягнутого поверх мотузки, волосіні та дроту, і підвішена до стелі. Вона імітує заплутаний малюнок у космосі. Гессе відійшла від традиційної акуратності мінімалізму, та її способи подачі матеріалу сприймаються у межах жанру.

Дональд Джадд, «Робота без назви» (1980)

Дональд Джадд категорично заперечує свій зв'язок із мінімалізмом. Незважаючи на це, він є одним з його батьків-засновників. На початку 60-х років ХХ століття автор виявив якусь неприязнь європейських художніх цінностей, тому він відійшов від роботи художника-скульптора і почав створювати твори, які не можна було віднести до жодного з вищезгаданих розділів мистецтва. Його роботи також було виставлено на «Основних структурах» у Нью-Йорку.

У 80-х роках Джадд почав створювати підвішені вертикальні подоби полиць. Приклад цього служить «робота без назви» (1980). Досі такий вид робіт не можуть віднести до живопису. Ні до скульптури. робота виконана з 2 видів матеріалу: алюмінію та плексигласу. Зроблено це так, щоб глядач задумався про суперечливість мистецтва: непрозорі та нав'язливі постаті збоку поєднуються з глибинами простору спереду.